Archive for the ‘Drama’ Category

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Lo que el Viento se Llevó

Miércoles, 25 noviembre, 2009

Encontrándonos en el año 2009, considero que es justo conmemorar el 70 aniversario de muchos sucesos acaecidos en 1939, de gran importancia para la humanidad y la historia más cercana, y lejana para generaciones más jóvenes, que no debemos olvidar  como el final de la Guerra Civil Española, el inicio de la Segunda Guerra Mundial y por supuesto en  lo que a nosotros como cinéfilos concierne, el estreno de tres grandes obras maestras, cada una única en su género pero no menos reveladora por los acontecimientos que narraron, estas son: Cumbres Borrascosas, El Mago de Oz y Lo que el Viento se Llevó.

He decidido comenzar con la que, desde mi punto de vista, es una de las mayores obras maestras que se han hecho jamás en el séptimo arte, es: Lo que el viento se llevó, con el añadido que la han repuesto tantas veces en la televisión, normalmente en fechas vacacionales como Navidad o Semana Santa, que ha promovido que sea de los clásicos más vistos en la historia del cine, aunque fuera por obligación.

Como comentamos al inicio, su año fue uno de los más apasionantes en la gala de los Oscar ante su dos grandes rivales. Con 13 nominaciones, sería ganadora de 9 por las categorías de película, director (Victor Fleming), actriz (Vivien Leigh), actriz secundaria (Hattie McDaniel), galardón histórico al ser el primero concedido a una actriz afroamericana, guión, fotografía, decoración, montaje y  logros técnicos. Todos merecidos.

Basada en una novela homónima de Margaret Mitchell. El argumento se desarrolla en 1861 cuando está a punto de estallar la Guerra de Secesión, en el sur estadounidense donde los caballeros románticos dueños de haciendas algodoneras en cuyas mansiones celebran fastuosas reuniones y fiestas, están deseando el inicio de la guerra ante su equivocada visión que su forma de vida es la correcta, la decente y, como caballeros, serán los vencedores. Ante tal vision romantica y apasionada de la vida encontramos a nuestra protagonista Scarlett O’Hara, hija de uno de estos adinerados caballeros, la más guapa, caprichosa, admirada y deseada por todos los muchachos de su región. Ella, sin embargo, sólo ama dos cosas además de su familia: Tara, la finca de su familia donde nació y que le da su fuerza y Ashley, un joven que está prometido con su prima Melanie, de exquisita educación pero de frágil carácter, y que siendo conocedor de la pasión que Scarlett le procesa, éste no es capaz de aclarar si le corresponde. En una de estas fiestas conoce de forma accidentada al atractivo, descarado y con reputación de vividor, Rhett Butler, que no tiene inconveniente en declarar que los cañones yankees arrasarán sin ningún miramiento con sus sueños de batallas de otras épocas. Antes de acabar la tarde se declara la guerra y todos los jóvenes corren a alistarse, será entonces cuando empieza nuestra historia; las aventuras y desventuras de la que pasa a ser nuestra heroína.

En la película  participaron 3 directores: Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood, aunque sólo en los créditos aperece el primero.

Película irrepetible porque desde el primer hasta el último segundo mantiene la historia llena de sentimientos absolutamente apasionados que atrapan irremediablemente al espectador, que ríe y, sobre todo, llora gracias a la forma de contarla y retratar la novela en la que está basada, como a la química existente entre sus dos protagonistas Clark Gable y Vivien Leigh, puede ser gracias a que no se soportaban en la vida real lo que provocara que fueran más apasionados, más cuando conocemos curiosidades  como que ninguno de los dos eran en origen los actores destinados a estos papeles, pues se pretendía que fueran Errol Flynn y Bette Davis, porque con esta película empezaron ha utilizarse técnicas de rodaje, se usaron miles de extras o porque cuando ruedan una de las escenas hacia la mitad del film, en la que atraviesan un gran incendio, utilizaron como pasto de las llamas decorados antiguos de otras películas y provocó que acudieran los bomberos al creer que realmente se incendiaban los estudios ante la magnificencia de las llamas.

Más de tres horas de emociones a flor de piel, grandes y atractivos actores que siempre quedarán en nuestras retinas como Rhett y Scarlett, ambientación, decorados, vestuarios y fotografía impecables, que como siempre digo, un clásico de hace tantos años no sólo tiene argumento, aspecto que en el cine actual escasea, sino que, además, se suma que fueran capaces de crear semejantes obras de arte sin contar con técnicas apoyadas por el ordenador por ejemplo.

Recomiendo mucho verla pausadamente, aunque dudo que pueda haber alguien que no haya visto, como mínimo. algún fragmento.

Que la disfrutéis mucho y hasta muy pronto.

Posdata: Se me olvidaba añadir que si sois algo sentimentales, la veáis con pañuelos a mano, pues la última vez que la ví los eché en falta.

Saluditos.

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Espías en la Sombra. La guerra que nunca acaba

Sábado, 05 septiembre, 2009

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Típico film bélico enmarcado en la II Guerra Mundial que aporta como única novedad el género de los protagonistas, en este caso, las protagonistas.

Cinco mujeres son reclutadas por el SOE (Servicio de Operaciones Especiales) para rescatar a un geólogo inglés que yace en un hospital tras matar a un soldado alemán y ponerse sus ropas. Misión importante porque si se descubre la identidad del herido, el desembarco del día D se vería comprometido. Para lograrlo, dos hermanos fieles a la causa, Pierre Desfontaines (Julien Boisselier) y Louise Desfontaines (Sophie Marceau), reclutan un equipo de mujeres de dudoso patriotismo y en el que están retratadas desde las prostitutas hasta las beatas pasando por las pijas. Al finalizar la misión, se les encomienda otra: matar a un coronel de la SS Heindrich, que sospecha que el desembarco se realizará en las playas de Normandía contra todo pronóstico.

Lo único interesante del film son sus protagonistas, que además, son bastante atractivas. El resto es un compendio de típico cine de guerra de baja categoría ya que resulta poco creíble la facilidad con la que pueden acercarse al general alemán y no son capaces de matarlo de un simple tiro. Destacable son las escenas de tortura que sabiamente se esparcen por el metraje ya que es lo que en realidad entretiene y permite seguir viendo su desarrollo.

Lo peor es un final totalmente fácil, hecho con unas prisas que demuestran que el director no ha sabido medir el tiempo y se le ha echado encima. Técnicamente perfecta y sin nada que envidiar a las producciones norteamericanas, esta película pasa sin pena ni gloria. El hecho de que esta vez sean mujeres, le da ese punto de interés, gracias a que todas, Julie Depardieu, Marie Gillain, Déborah François, Maya Sansa y Sophie Marceau, hacen lo correcto cuando el guión no da para más y carace de profundidad. Horroroso es el personaje del coronel alemán en este caso.

Por último, quisiera comentar que, al igual que Valkiria y otras películas que supuestamente están basadas en hechos reales y que si lograran su fin podían haber cambiado el curso de la historia, me resulta curioso ver que los héroes occidentales de las últimas décadas quieren ser héroes pero seguir vivos a toda costa, aspecto totalmente opuesto a la mentalidad, por ejemplo, de los territoristas fundamentalistas de hoy en día o aquellos sabios de la época antigua como Jesús de Nazaret o Sócrates.

Más info: http://www.imdb.com/title/tt0824330/

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Le Divorce

Domingo, 09 agosto, 2009

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Le Divorce: curioso film del 2003, protagonizado por un extenso reparto franco estadounidense, aunque sí es cierto que los actores anglófonos no son todos americanos, Kate Hudson, Naomi Watts y Glenn Close, entre otros.

Llegó a nuestro país directamente a través de los videoclubs.

Se trata de una historia, con un punto de originalidad, basada en una novela homónima que obtuvo una gran crítica en el New York Times, cuya idea básica es la de reflejar el sentimiento de un extranjero en la ciudad de París.

Desde mi punto de vista, es un trabajo curioso con personalidad y con un punto intimista que la aleja de las tragicomedias comerciales estándar. Algo que se agradece cuando cada vez las películas, en lugar de ser originales, sólo se dedican a hacer remakes más malos que los originales hechos con menos medios y muchos años atrás.

Aunque tiene un carácter coral, ya que todos los personajes por pequeños que sean tienen un papel bastante fundamental, las protagonistas principales son Isabel Walker (Kate Hudson) y Roxeanne de Persand (Naomi Watts), dos hermanas californianas que se unen tras un tiempo cuando Isabel llega de visita a París a ver a su hermana y la familia de esta. Isabel es una chica con conocimientos de literatura y documentación y Roxeanne es una poetisa que aún no ha destacado. Justo cuando llega Isabel, su cuñado está abandonando sin previo aviso a Roxeanne. Será, a partir de entonces, cuando empieza nuestra historia, o mejor dicho, historias, pues se irá ramificando.

Roxeanne es una mujer culta que está hecha a la vida que ha adoptado como parisina, tiene un marido bohemio pero  niño rico al mismo tiempo del que está muy enamorada, una hija y un bebé en camino, que tras ser abandonada se niega a divorciarse y a tener que repartir sus bienes, entre los cuales se encuentra un cuadro de Santa Úrsula, símbolo de la pureza comprado por su familia hace varias décadas y que puede resultar ser una obra original de un gran pintor y tener un gran interés para su familia política, para museos y para casas de subastas. Con el paso de los meses irá siendo consciente de que su marido no la quiere, ni le importan sus hijos y que además la deja por otra, una cantante rusa que también está casada.

Al mismo tiempo, Isabel es una chica que consigue lo que quiere y a través de una amiga escritora de Roxeanne, Olivia Pace, conseguirá un trabajo de clasificación de una documentación que ha vendido y que tiene pendiente de organizar, se lía con el ayudante de la escritora hasta que se hace amante de un tío de su cuñado que es un defensor de la conducta correcta y tradicional aunque en casa no lo aplica.

La Familia de Persand pretende reflejar la típica familia adinerada que todo lo manipula y esconde con el fin de obtener provecho y no dar escándalos.

En contraposición de los Walter, familia americana culta que acaba por viajar a París para ayudar a su hija, ya que ésta es la que está en minoría.

La historia es interesante de ver y, como apasionada de la moda, debo decir que podrían haberle dado un poco de glamour a lo que rodea la historia, aunque bien es cierto que dejan claro en el film que el estilo es francés y la forma de vida práctica y cómoda  es la norteamericana.

Para finalizar diré que es una película singular con tantos personajes que con alguno nos podemos identificar y que acaba poniendo a todo y a todos en su lugar.

Saludos y que la disfrutéis.

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El Curioso Caso de Benjamin Button

Domingo, 29 marzo, 2009

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Tras la edición 81 de los Oscars, hace en torno a un mes este trabajo firmado por David Fincher con guión de Eric Roth y protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett tenía 13 nominaciones, obteniendo finalmente 3 Oscars: mejor artística, maquillaje y efectos visuales.

En España se estrenó apenas 20 días antes de la ceremonia junto con otras películas también candidatas, lo que es un arma de doble filo pues puede verse sobrestimada si consigue muchos galardones pero luego defraudar al gran público en contraposición con la perspectiva de la academia que galardona.

El guión, que data de los años 20 del siglo XX, en origen habla de cómo los jóvenes desperdician su vida y acaba siendo una historia de amor que perdurará en el tiempo.

La historia plantea la sempiterna expresión de los mayores de “desearía tener 20 años pero con la madurez que tengo ahora”. Pues bien, ¿qué pasaría si esto sucediera pero con el inconveniente  que, aún así, el tiempo sigue transcurriendo?

Nuestro protagonista nace en el año y día que termina la gran guerra, la Primera Guerra Mundial, en Nueva Orleans, con 80 años y el aliciente añadido que cada día que pasa se hace más joven. Parece que está influenciado por la construcción ese mismo año de un reloj realizado por un artesano ciego que acaba de perder a su hijo en combate y que decide, en homenaje a éste y a los caídos, que el reloj gire en sentido contrario, con la esperanza que podamos mirar atrás e impedir que los males y daños que sufrimos se eviten.

Benjamin es hijo de un empresario adinerado fabricante de botones. Ante el impacto de la pérdida de su amada esposa durante el parto y al ver que la criatura parece deforme, decide abandonarlo en la puerta de una residencia de ancianos donde la cuidadora, una mujer negra, soltera y estéril, se apiada de él y lo acoge como suyo. Dado el estado de salud en que se encontraba, lo dan por muerto en pocos días y será entonces cuando se empiece a notar que es un niño especial. Tratado, excepto por su madre, como un anciano más, irá formándose en la vida con la ayuda de sus compañeros de residencia, los cuales aportan sus conocimientos, vivencias y anécdotas. Será gracias a uno de ellos, a la edad de 12 años, cuando conocerá a la persona más importante, a Daisy, una chica de tez de porcelana y cabello pelirrojo que lo cautiva desde el primer instante. A partir de aquí os dejo a la imaginación y a la visualización de su historia.

Pero el film no empieza directamente en su nacimiento, sino que se presenta como el relato de una mujer que le lee un diario antiguo a su madre, la cual es muy anciana y está hospitalizada sólo esperando a que le llegue su hora. El hospital está cerrado pues se acerca un huracán.

Si es cierto que aunque se trata de una especie de cuento, al mismo tiempo se repasa, desde la perspectiva de los personajes, el transcurso del siglo XX y principios del XXI.

La película dura algo más de dos horas y hay a quien le puede parecer excesiva, pero debo decir por mi parte que son necesarias e incluso insuficientes en algunos puntos en los que no se desarrolla el argumento demasiado.

Desde el punto de vista técnico, aunque no he visto algunas de las otras películas candidatas, me cuesta creer que hubiera otro trabajo merecedor de esos premios. Se usan técnicas desde el maquillaje y la caracterización. La superposición de las caras sobre cuerpos diferentes es de  tal exactitud que si no fuera porque conocemos su anatomía no dudaríamos ni por un segundo de su veracidad. Hasta utiliza una técnica novedosa de lifting digital para poder situar facialmente al personaje con la edad que le corresponde tener.

Para finalizar, como hago siempre, recomiendo verla y prestar atención en la escena simple pero impactante, ya casi al final, en la que estando Benjamin en brazos de Daisy, ésta le desea buenas noches. Y disfrutarla pues, si bien no por su historia al menos por ver el cine del futuro con métodos visuales muy novedosos.

Saludos y que disfrutéis del cine, ese invento que en apenas un siglo ha cambiado nuestra vida para siempre.

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Rescate al Amanecer. Supervivencia real

Martes, 17 marzo, 2009

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Magnífica película que bebe directamente de la filosofía de El Cazador para convertirse en una de las mejores visiones sobre la guerra de Vietnam y, sobre todo, mostrar lo que un hombre es capaz de soportar con tal de sobrevivir.

Dieter (Christian Bale) es un piloto del ejército de Estados Unidos que en su primera misión es derribado en Laos. Solo, rodeado de enemigos y con la única referencia de un video demostrativo que explicaba cómo sobrevivir en la selva al que no prestó mucha atención como sus compañeros, Dieter luchará por su vida y cordura.

El extraño y loco Werner Herzog por fin realiza una película digerible que no tiene nada que envidiar a sus antedecesoras ya que el hombre y la fuerza de su entorno siguen vigentes, como si la continuación de El Cazador de Michael Cimino se tratase, Herzog se centra en el hombre más allá de la espectacularidad que podía haber desarrollado enmarcándose la historia en una guerra, espectacularidad de la que renuncia haciéndole un guiño a Apocalypse Now con ese principio que puede interpretarse tanto como homenaje como de crítica.

La película flojea un poco al principio al tratarse de una radiografía tanto mental como física de Dieter y hasta que estos aspectos no se derrumban, no te llega a atrapar del todo. Es en ese momento cuando asistimos ante lo que puede conseguir el cine con unos cuantos hombres que hacen muy bien su trabajo y convierten lo que están haciendo en una obra de arte, en este caso de culto porque ni siquiera llegó a los cines en nuestro país.

Los actores secundarios brillan al mismo nivel que un Christian Bale que se sale como se sale en casi todas las películas que realiza salvo las del hombre murciélago. No sólo por adelgazar hace un papelón, fíjense en su mirada, sobre todo cuando se reúnen para comer en la que sonríe, y recuerden la mirada cuando hace el chiste al principio del film. Se nota el cambio, se nota el trabajo, se nota que eso es actuar. ¿Qué tiene que hacer este chico para recibir el Oscar mientras otros ya tienen dos por poner caritas? Pero como ya ocurriera con Aguirre, la Cólera de Dios, Fitzcarraldo o Cobra Verde, es la fuerza de la naturaleza la verdadera protagonista, capaz de volver locos a los héroes. Esta película tiene uno de los mejores entornos naturales desde Defensa (Deliverance) que yo recuerde ahora mismo.

Un peliculón que no ha tenido sitio en la cartelera. Sin comentarios.

Más info: http://www.imdb.com/title/tt0462504/

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El Luchador (The Wrestler). Falsos golpes de la realidad.

Viernes, 20 febrero, 2009

el-luchador-the-wrestlerAprovechando el estreno hoy de la película El Luchador, voy a comentar mis impresiones después de haberla visto en preestreno el día anterior.

Randy “The Ram” Robinson es un gran luchador de pressing catch de los años 80. Vive todavía en su mundo ideal donde había juegos de la NES donde él era el gran protagonista, vídeos VHS de sus mejores momentos y mallas que están ya un poco ajadas y estrechas. Después de 20 años y participando en rings de tercera categoría ve como su vida cambia totalmente cuando por una enfermedad debe abandonar el espectáculo y enfrentarse a la realidad.

Vive su vida de acabado, de vivencias en una roulotte que le debe pagos al casero, una furgoneta vieja, ropa rota. Se refugia en sus viejos recuerdos de gran luchador,  en un amor no correspondido a Pam “Cassidy”, una stripper que ve su vida acabada también por la edad; recuperar el amor de su hija, Stephanie. Todo esto teniendo un nuevo curro en un centro comercial totalmente diferente de lo que venía haciendo hasta ahora. Se enfrenta a la realidad, dándose cuenta que ella golpea más fuerte que en su espectáculo, que no sólo con buenas intenciones puedes tirar para adelante.

Mucho se ha comentado de que es una película de fracasos personales, de que el mejor actor para desarrollarlo era Mickey Rourke porque era la historia de su vida, atrapado en los años 80 cuando él era un gran actor y ahora venido muy a menos, con adicciones y un carácter intratable. Realmente el actor lo borda, afrontando el tema con una tranquilidad pasmosa, sin sobreactuaciones y mostrando sentimientos en esa cara inexpresiva debido al exceso de cirugía. Era una apuesta personal de Darren Aronofsky, director y productor de la película, con muy buen acierto, la verdad. También se acierta con la actriz Marisa Tomei, un poco menos de profundidad de personaje que tiene, desaprovechado la riqueza que puede aportar su historia pero sí mostrando la crudeza de una cuarentona metida todavía en bailes eróticos en un local de mala muerte. La tercera actriz, Evan Rachel Wood, tiene un papel muy pequeño pero muy intenso como hija de Ram, seguro que tiene mucho futuro más adelante.

La película en sí no es innovadora ni interesante, el guión no es muy bueno y es muy predecible, pero los actores salvan esta gran película, también la fotografía y el maquillaje, sorprendente ver a Marisa Tomei cuando es Cassidy y el cambio brutal que tiene cuando es Pam, un cambio muy apreciado, viendo en su cara no maquillada los estragos de la edad y lo descolocada que está bailando en un club. Increíble el vestuario de Ram y lo que se muestra simplemente por las imágenes y las zonas donde vive, sólo con ello te haces una idea de su estilo de vida. Los planos excesivamente largos y los seguimientos cámara en mano a Ram dan la sensación de falso documental como si estiviéramos ante el reflejo de una auténtica vida. La música es de los años 80, analogía con la vida del protagonista, que los 80 era lo mejor  y los 90 era el debacle. Referencias en los guiones a Guns ‘n’ Roses y Mötley Crüe. Bruce Springsteen también compone y firma la canción de cabecera de la película, también muy alabada.

Resumiendo, una película simplona levantada por unos grandes actores. Si el guión y el desarrollo fueran mejores, estaríamos hablando de una película de las grandes. ¿Habrá justicia en los Oscars? ¿Se lo darán al niño malo Rourke? ¿Redención?

Hurón.

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Big Fish. La película se hace cuento.

Sábado, 24 enero, 2009

big_fishPoco hay que hablar de Big Fish, quizá sea el culmen de la carrera cinematográfica de Tim Burton o todavía nos dé una sorpresa que supere con creces la fantasía reflejada en esta historia. Historia que muestra el buen hacer de este director con los elementos que mejor lo definen: fantasía, drama y espíritu gótico.

William Bloom es un hijo que vive enfadado con su padre porque siempre está harto de sus cuentos y que narre la historia de su vida de una manera muy fantasiosa. Después de dos años sin hablarse con él, vuelve porque su padre cae gravemente enfermo y está con él en sus últimas etapas de su vida.

Edward Bloom, fabulista acérrimo, nos narra su vida, sin faltar detalles de su infancia, juventud y vida adulta, presentándonos a un sinfín de personajes maravillosos y con su toque de delirio de cuentos. No podían faltar a su amigo Karl el Gigante, la bruja, las siamesas Ping y Jing, sirenas, su amor Sandra Templeton ladrones de banco, etc. En fin, un compendio de cualquier historia de fantasía que se precie. Hilvana historias coherentes una detrás de otras, describiendo una vida fabulosa y perfecta en su sentido, ocultando la auténtica realidad maquillándola de colores. En ella demuestra su simpatía por afrontar todas sus etapas con una sonrisa, siempre iluso y perseverante en todo lo que se propone

Tal como se prevee la película está desarollada por varios cuentos que Ed Bloom narra a su hijo y a su nuera Josephine, dando explicaciones del por qué de muchas cosas que le pasan o le han pasado. La estructura de la peli, como tal caso está dividida por las peripecias de Ed joven en sus cuentos y fábulas y de mayor en su casa al cuidado de su familia. Este estilo de narración y desarrollo en la película no le quita ritmo, muy bien enmarcado y encajado sus historias con la realidad.Quizá peque de excesivamente larga, pero realmente el tiempo con esta película pasa muy rápido.

Seguramente la película tenga, para mi opiniún una de las mejores escenas románticas del cine ATENCIÓN SPOILER Ed, para sorprender y enamorar a su idolatrada Sandra Templeton descubre que sus flores favoritas son los narcisos amarillos, aparece en la puerta de la residencia donde vive Sandra lleno de narcisos amarillos. Un enorme jardín con sólo esas flores. FIN SPOILER

El trabajo de Albert Finney es inmejorable, haciendo un papel redondo de Ed Bloom senior para enmarcar, genial de principio a fin, muy gesticuloso y con caras de perfecta expresividad como un niño que se cree todas estas historias. Destacar también a Helena Boham Carter que hace un más que correcto papel. Más secundarios como Danny DeVito (especialista en ello), Steve Buscemi, Jessica Lange… todos ellos tienen pequeños papeles pero logran una gran actuación. Ewan McGregor es el que no me gusta, no termina de encajar en estas historias haciendo de Ed joven, no sé, comparar a Albert con Ewan e imaginar que son los mismos… Ewan no rezuma tanto carisma como Albert y se hace un poco irreal.

Todo ello acompañado de la música de Danny Elfman. En fin, una película de Tim Burton para enmarcar, para ver y disfrutar de esos cuentos que maquillan la verdad. Como cuando niños teníamos los cuentos de la cigüeña, Ratoncito Pérez… una peli para hacer un revival a la infancia. Disfrútenla.

Hurón.