Archive for the ‘Imprescindible’ Category

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Lo que el Viento se Llevó

Miércoles, 25 noviembre, 2009

Encontrándonos en el año 2009, considero que es justo conmemorar el 70 aniversario de muchos sucesos acaecidos en 1939, de gran importancia para la humanidad y la historia más cercana, y lejana para generaciones más jóvenes, que no debemos olvidar  como el final de la Guerra Civil Española, el inicio de la Segunda Guerra Mundial y por supuesto en  lo que a nosotros como cinéfilos concierne, el estreno de tres grandes obras maestras, cada una única en su género pero no menos reveladora por los acontecimientos que narraron, estas son: Cumbres Borrascosas, El Mago de Oz y Lo que el Viento se Llevó.

He decidido comenzar con la que, desde mi punto de vista, es una de las mayores obras maestras que se han hecho jamás en el séptimo arte, es: Lo que el viento se llevó, con el añadido que la han repuesto tantas veces en la televisión, normalmente en fechas vacacionales como Navidad o Semana Santa, que ha promovido que sea de los clásicos más vistos en la historia del cine, aunque fuera por obligación.

Como comentamos al inicio, su año fue uno de los más apasionantes en la gala de los Oscar ante su dos grandes rivales. Con 13 nominaciones, sería ganadora de 9 por las categorías de película, director (Victor Fleming), actriz (Vivien Leigh), actriz secundaria (Hattie McDaniel), galardón histórico al ser el primero concedido a una actriz afroamericana, guión, fotografía, decoración, montaje y  logros técnicos. Todos merecidos.

Basada en una novela homónima de Margaret Mitchell. El argumento se desarrolla en 1861 cuando está a punto de estallar la Guerra de Secesión, en el sur estadounidense donde los caballeros románticos dueños de haciendas algodoneras en cuyas mansiones celebran fastuosas reuniones y fiestas, están deseando el inicio de la guerra ante su equivocada visión que su forma de vida es la correcta, la decente y, como caballeros, serán los vencedores. Ante tal vision romantica y apasionada de la vida encontramos a nuestra protagonista Scarlett O’Hara, hija de uno de estos adinerados caballeros, la más guapa, caprichosa, admirada y deseada por todos los muchachos de su región. Ella, sin embargo, sólo ama dos cosas además de su familia: Tara, la finca de su familia donde nació y que le da su fuerza y Ashley, un joven que está prometido con su prima Melanie, de exquisita educación pero de frágil carácter, y que siendo conocedor de la pasión que Scarlett le procesa, éste no es capaz de aclarar si le corresponde. En una de estas fiestas conoce de forma accidentada al atractivo, descarado y con reputación de vividor, Rhett Butler, que no tiene inconveniente en declarar que los cañones yankees arrasarán sin ningún miramiento con sus sueños de batallas de otras épocas. Antes de acabar la tarde se declara la guerra y todos los jóvenes corren a alistarse, será entonces cuando empieza nuestra historia; las aventuras y desventuras de la que pasa a ser nuestra heroína.

En la película  participaron 3 directores: Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood, aunque sólo en los créditos aperece el primero.

Película irrepetible porque desde el primer hasta el último segundo mantiene la historia llena de sentimientos absolutamente apasionados que atrapan irremediablemente al espectador, que ríe y, sobre todo, llora gracias a la forma de contarla y retratar la novela en la que está basada, como a la química existente entre sus dos protagonistas Clark Gable y Vivien Leigh, puede ser gracias a que no se soportaban en la vida real lo que provocara que fueran más apasionados, más cuando conocemos curiosidades  como que ninguno de los dos eran en origen los actores destinados a estos papeles, pues se pretendía que fueran Errol Flynn y Bette Davis, porque con esta película empezaron ha utilizarse técnicas de rodaje, se usaron miles de extras o porque cuando ruedan una de las escenas hacia la mitad del film, en la que atraviesan un gran incendio, utilizaron como pasto de las llamas decorados antiguos de otras películas y provocó que acudieran los bomberos al creer que realmente se incendiaban los estudios ante la magnificencia de las llamas.

Más de tres horas de emociones a flor de piel, grandes y atractivos actores que siempre quedarán en nuestras retinas como Rhett y Scarlett, ambientación, decorados, vestuarios y fotografía impecables, que como siempre digo, un clásico de hace tantos años no sólo tiene argumento, aspecto que en el cine actual escasea, sino que, además, se suma que fueran capaces de crear semejantes obras de arte sin contar con técnicas apoyadas por el ordenador por ejemplo.

Recomiendo mucho verla pausadamente, aunque dudo que pueda haber alguien que no haya visto, como mínimo. algún fragmento.

Que la disfrutéis mucho y hasta muy pronto.

Posdata: Se me olvidaba añadir que si sois algo sentimentales, la veáis con pañuelos a mano, pues la última vez que la ví los eché en falta.

Saluditos.

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Big Fish. La película se hace cuento.

Sábado, 24 enero, 2009

big_fishPoco hay que hablar de Big Fish, quizá sea el culmen de la carrera cinematográfica de Tim Burton o todavía nos dé una sorpresa que supere con creces la fantasía reflejada en esta historia. Historia que muestra el buen hacer de este director con los elementos que mejor lo definen: fantasía, drama y espíritu gótico.

William Bloom es un hijo que vive enfadado con su padre porque siempre está harto de sus cuentos y que narre la historia de su vida de una manera muy fantasiosa. Después de dos años sin hablarse con él, vuelve porque su padre cae gravemente enfermo y está con él en sus últimas etapas de su vida.

Edward Bloom, fabulista acérrimo, nos narra su vida, sin faltar detalles de su infancia, juventud y vida adulta, presentándonos a un sinfín de personajes maravillosos y con su toque de delirio de cuentos. No podían faltar a su amigo Karl el Gigante, la bruja, las siamesas Ping y Jing, sirenas, su amor Sandra Templeton ladrones de banco, etc. En fin, un compendio de cualquier historia de fantasía que se precie. Hilvana historias coherentes una detrás de otras, describiendo una vida fabulosa y perfecta en su sentido, ocultando la auténtica realidad maquillándola de colores. En ella demuestra su simpatía por afrontar todas sus etapas con una sonrisa, siempre iluso y perseverante en todo lo que se propone

Tal como se prevee la película está desarollada por varios cuentos que Ed Bloom narra a su hijo y a su nuera Josephine, dando explicaciones del por qué de muchas cosas que le pasan o le han pasado. La estructura de la peli, como tal caso está dividida por las peripecias de Ed joven en sus cuentos y fábulas y de mayor en su casa al cuidado de su familia. Este estilo de narración y desarrollo en la película no le quita ritmo, muy bien enmarcado y encajado sus historias con la realidad.Quizá peque de excesivamente larga, pero realmente el tiempo con esta película pasa muy rápido.

Seguramente la película tenga, para mi opiniún una de las mejores escenas románticas del cine ATENCIÓN SPOILER Ed, para sorprender y enamorar a su idolatrada Sandra Templeton descubre que sus flores favoritas son los narcisos amarillos, aparece en la puerta de la residencia donde vive Sandra lleno de narcisos amarillos. Un enorme jardín con sólo esas flores. FIN SPOILER

El trabajo de Albert Finney es inmejorable, haciendo un papel redondo de Ed Bloom senior para enmarcar, genial de principio a fin, muy gesticuloso y con caras de perfecta expresividad como un niño que se cree todas estas historias. Destacar también a Helena Boham Carter que hace un más que correcto papel. Más secundarios como Danny DeVito (especialista en ello), Steve Buscemi, Jessica Lange… todos ellos tienen pequeños papeles pero logran una gran actuación. Ewan McGregor es el que no me gusta, no termina de encajar en estas historias haciendo de Ed joven, no sé, comparar a Albert con Ewan e imaginar que son los mismos… Ewan no rezuma tanto carisma como Albert y se hace un poco irreal.

Todo ello acompañado de la música de Danny Elfman. En fin, una película de Tim Burton para enmarcar, para ver y disfrutar de esos cuentos que maquillan la verdad. Como cuando niños teníamos los cuentos de la cigüeña, Ratoncito Pérez… una peli para hacer un revival a la infancia. Disfrútenla.

Hurón.

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¡Qué bello es vivir!

Sábado, 03 enero, 2009

quebelloesvivir

Hola a todos. Tras unos meses de ausencia, he vuelto para recomendaros una obra de arte visual propia de estas fechas navideñas, ocasión por la cual aprovecho para desearos un Feliz Año Nuevo 2009 y que los Reyes os traigan muchos regalitos.

La obra a la que me refiero es este gran film que ya es todo un clásico, el cual podemos disfrutar de forma ocasional o anual en la televisión, aunque desafortunadamente lo suelen emitir a altas horas de la madrugada sin previo aviso y que si ves que la están poniendo es porque estabas zapeando y diste con ella, hecho que es una pena pues esto ocurre con bastante frecuencia con otras tantas películas geniales mientras, en contraposición, sí nos obligan a tragarnos series sin sentido en la que todo gira en torno al sexo en pleno horario infantil.

Fechada en 1946, bajo el guión y la dirección de Frank Capra y protagonizada por el magnífico James Stewart, fue nominada a los Oscar con numerosas categorías pero no recibió ninguno. Contiene una mezcla de comedia, drama, cine negro, algún efecto especial (modesto, no hay que olvidar la época en la que se realizó) y, por supuesto, Navidad.

Para empezar debo decir que es blanco y negro, característica que en esta ocasión ayuda a singularizarla y a darle más personalidad, pues si me la imagino coloreada, perdería gran parte de su encanto.

Completa en todos los detalles, comienza con unos títulos de crédito que son tarjetas decoradas con motivos típicos. La historia se desarrolla en la ciudad de Bedford Falls, se inicia con los ruegos provenientes de diferentes personas, todos ellos dirigidos a Dios pidiéndole que ayude a una persona, a George Bailey. Será entonces cuando San José decide que tendrá que ayudarle mandándole un ángel que aún no tenga sus alas, pero antes ha de poner a este ángel de segunda clase, un relojero llamado Clarence, en antecedentes sobre la vida de aquel al que pretende asistir.

George Bailey será a partir de ese momento el gran protagonista de nuestra historia. De niño a hombre se van marcando acontecimientos que nos mostrarán cómo un chico con gran corazón y alma pura se verá en numerosas ocasiones en la situación de escoger entre sus sueños o lo que es más conveniente para aquellos que conoce de toda la vida que son vecinos, amigos y familiares. Se convertirá, sin pretenderlo, en un héroe de los que escasean, uno de carne y hueso, a los que se le otorga ese adjetivo por sus obras, no por la capa o las mallas.

Pero no son sólo heroicidades las que hará, también llegará el momento que todo héroe que se precie ha de plantearse al menos en una ocasión; si merece la pena serlo. Es entonces cuando su ángel le permitirá conocer cómo sería la vida de los suyos si el nunca hubiera nacido, una gran oportunidad que muchos desearíamos vivir para ser conscientes de cómo nuestros actos por mínimos que sean, influyen en la vida de otras personas y además plantea una cuestión algo más profunda: ¿será cierto que nuestros actos desinteresados nos serán devueltos cuando estemos en apuros?

Como podéis comprobar, no quiero desvelar con detalle el argumento, pues entonces; ¿qué gracia tendría verla? Sólo añadiré que la forma idónea para disfrutarla es con tiempo, acomodados en el sofá con la estufita y una taza de chocolate, que estamos en invierno y hace mucho frío fuera. Que la disfrutéis y hasta la próxima cita, saluditos.

chuss

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El Jovencito Frankenstein. ¡Oh, dulce misterio de la vida!

Martes, 16 diciembre, 2008

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Cuesta mucho hablar de esta película convertida en clásico de la comedia. Mel Brooks se encumbró como un gran director de comedias con El Jovencito Frankenstein. Adaptando una historia original de Mary Shelley y teniendo a su amigo Gene Wilder como coautor del guión parió esta película, muy recomendada para los amantes de las comedias.

El Doctor Frederick Frankenstein (Fronkosteen) es un aclamado profesor de medicina neuronal en EEUU, nieto del famosísimo Victor Frankenstein hereda todas sus investigaciones cuando él fallece, trasladándose a Transilvania donde tiene su famoso castillo. Allí estarán con su mayordomo Igor (Aigor), su ayudante de laboratorio Inga y una extraña ama de llaves del castillo Frau Blücher. Frederick volverá a retomar las investigaciones de su abuelo y volverá a crear a un nuevo Monstruo.

Disparatado en su desarrollo, el elenco de personajes secundarios completan una historia donde el humor estará siempre in-crescendo hasta el final, sin partes donde se desinfle. Memorables los personajes del Inspector Kemp, el Ciego, la Niña, etc. Cada uno de ellos aporta su grano de arena y hace de una gran película un pequeño clásico que no debe dejar de verse nunca.

Rodada a posta en blanco y negro para darle aire de antiguo y para darle ese sutil toque de las antíguas películas de terror consigue en algo más de hora y media pasar un gran rato frente al televisor. Llena de escenas cómicas y surrealistas empezando por la clase que imparte Frederick con el viejo hasta la escena final es siempre a mandíbula batiente. Los actores cumplen sobremanera sus personajes, destacando al histriónico Doctor Frankenstein interpretado por el coautor Gene Wilder, Peter Boyle como el Monstruo e Igor por un Marty Feldman, personaje que lleva el peso humorístico de toda la cinta. Aquí en España se quemó mucho el personaje de Igor en el late-night “Esta noche cruzamos el Mississippi” (¿Cómo se llamaba ese actor que interpetraba a Igor Cajones?).

Seguro que hay muchos detractores de Mel Brooks después de ver sus películas de humor de los 90 pero os recomiendo ver esta película; aquí sí se puede decir que es una auténtica parodia, no como las sagas “Scary Movie” tan lleno de humor zafio y burdo, con el caca, culo, pedo, pis. Aunque siempre haya que admitir que esta es la mejor de Mel, las siguientes de “Las locas, locas aventuras de Robin Hood”, “Que asco de vida”, “La loca historia de las galaxias” son malas comparadas con esta, con un humor un poco menos trabajado y sin los personajes tan carismáticos como en esta película.

Humor negro, lleno de dobles sentidos, personajes entrañables y unos diálogos que no desmerecen. Gloria a Mel Brooks y Gene Wilder.

Hurón.

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Cuando el Viento Sopla. La imbecilidad de la guerra

Viernes, 10 octubre, 2008

Film de animación de finales de los ochenta que visualmente no ha aguantado el paso del tiempo aunque la temática sigue vigente a pesar de la desaparición de la Guerra Fría.

Narra la peripecia de una pareja de viejecitos que decide prepararse ante la inminente guerra que se avecina según los medios de comunicación con la única ayuda de folletos informativos del ayuntamiento y el gobierno.

La película gira en torno a una simplicidad que llega a ser insultante. No se puede ver con la mentalidad de ahora (veinte años después). Hay que entenderla en su contexto y, sobre todo, los personajes; son dos ancianos, y cuando digo ancianos, ancianos de verdad, de estos que chochean y mezclan el pasado con el presente, que no tienen ni idea de dónde viven, etc. Creo que todos hemos tenido un familiar así o al menos hemos conocido a alguien, preguntadle a esas personas, si aún viven, algo duro que les pasara en el pasado y comprobaríais que esta película no tiene un guión inocente, sino que es demasiado real, tanto que llega a desesperar como cuando hablamos con una persona de estas características hoy, incluso veinte años después. A esto, añadirle que los conocimientos de la población de ahora sobre las bombas atómicas está a años luz de aquella época. Si sois capaces de superar este escollo (que no es nada fácil porque llegas a pensar que los personajes más tontos no pueden ser), descubriréis uno de los mejores metrajes contra la guerra que se hayan podido realizar.

Mezclando los dibujos animados con la animación fotograma por fotograma y junto a ese guión tan… simple y bobalicón, se esconde una crudeza tan dura y seria que nos deja con el corazón en un puño y, atentos, sin ningún uso del sentimentalismo. El director, Jimmy T. Murakami, en ningún momento trata de entristecernos cogiéndole cariño a esta pareja de viejos para que lo pasemos mal con ellos. No. Va mucho más allá. Esta película tiene una profundidad tan insondable y triste que no necesita ningún superfluo artificio común en el cine de hoy en día abanderado sobre todo por el cine americano y asiático. Esto se sirve en frío y en frío entra en nuestro espíritu para dejarnos hundidos (para todo aquel que piense y tenga algo de sensibilidad y conciencia global, claro). Aparte de tontos, esta pareja ama la guerra porque vivieron la Segunda Guerra Mundial en el bando de los buenos y ganaron por la libertad y esas cosas. Esto provoca que la visionemos desde un punto de vista mucho más alejado ya que no permite en ningún momento la afinidad con los protagonistas logrando así un alegato fuerte, inexcusable, objetivo y bien cimentado contra la guerra. Esta película muestra que el pacifismo no es ninguna tontería new age ni parapeto de los débiles.

Por último, sólo señalar que aunque el tiempo no ha pasado en balde, las imágenes son bastante buenas llegando a unas transiciones sublimes que están a la altura de la película Pink Floyd: El Muro, otra que tampoco aguanta muy bien el paso del tiempo pero que tiene unas excelencias artísticas admirables.

Más info: http://www.imdb.com/title/tt0090315/

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Wall·E (Batallón de Limpieza)

Domingo, 24 agosto, 2008

Recién salida del horno de Disney y Pixar, es una gran historia que hace reflexionar, una muy agradable sorpresa teniendo en cuenta cómo está el panorama cinematográfico últimamente. Ir al cine pensando que vas a ver una peli infantil y cuando se desarrolla es una maravillosa historia que toca muchos temas como la naturaleza, la contaminación, el consumismo, la comunicación, el compañerismo, la soledad, la indiferencia y el amor.

Hace 700 años los humanos abandonaron la Tierra debido a la gran cantidad de residuos acumulados que hacían el planeta inhabitable. Lo que en su origen sería un crucero de 5 años, se convirtió en una estancia durante generaciones de comodidad absoluta, incluso la comida es bebible para no tener que esforzarse en masticar. Mientras, en la Tierra, un grupo de mini robots se encargarían de limpiarla y cuando la naturaleza volviera a renacer volverían, pero al poco tiempo se dan cuenta que la tierra está perdida y que sus planificaciones estaban equivocadas.

Wall·E es uno de esos robots, de hecho, después de tantos siglos, el único que queda activo. Pero es más que una simple máquina de limpieza, es un ser vivo pues siente alegrías, tristeza, soledad, nostalgia, curiosidad, incluso tiene una colección de objetos que ha encontrado a lo largo de tanto tiempo de trabajo que cuida como a un tesoro. Sin embargo, no está solo del todo, tiene a una cucaracha de mascota que hasta cae bien aunque en la realidad den tanto asco.

Un día, mientras está de vuelta hacia su refugio, descubre la llegada de una nave espacial que deja allí algo… es Eve, un robot que sondea la superficie terrestre en busca de vida natural sin éxito y que es algo arisca con lo que le asusta. Eve y Wall·E se conocen y se muestran mutuamente aquellas cosas que por sí mismos y solos no conocían.

Pero será Wall·E, el que sin ser consciente, dará el primer paso para la recuperación de la vida, esa vida que los humanos nos encargamos de aplastar y destruir.

Es un trabajo muy interesante de la factoría DisneyPixar, muy completa y con humor, lo que aún es más meritorio si tenemos en cuenta que los diálogos son mínimos aunque la presentación del mensaje es claro y da de frente al espectador.

Después de verla no pude evitar reflexionar lo que estamos haciendo con la vida, la estamos destruyendo, acumulando toneladas incalculables de residuos que cualquier día nos invadirán y tendremos que plantearnos huir a otro lugar de la Tierra o de la galaxia, si nos ponemos futuristas, donde empezaremos a iniciar un nuevo proceso de destrucción, pues allí donde vamos lo modificamos y contaminamos sin miramiento y control.

Sólo tenemos una vida (aunque puede que nos reencarnemos en una mosca o en lo que nos toque) pero detrás vendrán nuestros hijos, sobrinos, nietos… ¿Somos capaces de ser tan irresponsables que nuestra filosofía sea que “arreen los que vengan detrás”? Espero que estemos a tiempo de evitar llegar a la situación reflejada en esta historia pero lamentablemente no van muy desencaminados con el futuro que nos espera.

Tengamos un poco de conciencia de grupo y a todos nos irá mejor.

Saludos y hasta la próxima, Chuss.

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Apocalypse Now Redux. El horror…

Miércoles, 30 julio, 2008

Revisamos esta revisión de la gran obra de Francis Ford Coppola hecha por él mismo en el año 2001.

Apocalypse Now siempre se nos quedará como la mejor obra de la guerra de Vietnam hecha por la factoría hollywoodense y un gran acierto de Coppola en la dirección.

La apertura de la película no puede ser mejor, los acordes de “The End” de The Doors suenan mientras un bosque se llena de llamas y helicopteros cruzando el encuadre. Las aspas de los helicopteros se funden con las aspas de un ventilador de techo y nos presenta una calurosa habitación donde una voz en off describe los horrores de la guerra y el deseo de volver de ella del Capitán Benjamin Willard, un soldado venido a menos, con graves problemas con el alcohol y con los recuerdos imborrables de la guerra. En uno de sus momentos de delirio le encargan una misión, encontrar y matar al Coronel Walter E. Kurtz, gran hombre y renombrado boina verde que ha desertado y se ha montado su propio ejército en Camboya, pregonando sus extravagantes e incomprensibles ideales.

Estamos ante una obra de arte, ante una película de culto. Creo que no conzoco a nadie que le haya dejado indiferente esta película. Además, la revisión (o Director’s Cut como quieran llamarlo) mejora notablemente la historia original y aclara mucho más la historia de Willard y Kurtz. Inolvidable son las escenas en la lancha de Willard con sus compañeros Phillips, Lance, ‘Limpio’ y ‘Chef’ remontando el río siguiendo la misión secreta de asesinato de Kurtz. Ese encuentro con el Teniente Coronel Kilroge (obesionado Coronel con el surf y el descubrimiento de Lance, un gran surfista allá en EEUU) y su regimento de la 9ª de Caballería que hacen ofensivas con su batallón de helicopteros a ritmo de Wagner. Sencillamente genial estas escenas donde el director hace gala de un arte exquisito para retratar la locura obsesiva que provoca una guerra brutal en las personas, diálogos entretenidos y quizá una de las más famosas frases del cine “Me encanta el olor del napalm por la mañana”.

En esta revisión Francis Ford Coppola añade varias escenas que mejoran con eficiencia la película de base. Una de ellas es la inclusión íntegra de una hacienda propiedad de la familia Marais, franceses afincados en Vietnam, donde la escena da un repaso al colonialismo y a los desastres provocados en la guerra. Declaración claramente antibelicista con el que Coppola integra trozos que ayudan más a la reflexión y profundización de su film.

El desenlace de la película sumerge al espectador en un estado de turbación provocada por las incomprensibles reflexiones del Coronel. Hombre muy cuerdo o muy loco según el punto de vista que se quiera ver. Estas escenas dan ganas de volver a verla una y otra vez, repitiendo paso por paso cada una de las palabras de Kurtz para poder entender con toda profundidad toda la carga psicológica de la película.

De esta película no se puede despreciar nada, el elenco de actores en el film son de primer nivel y muestran grandes dotes interpretativas. Martin Sheen está espectacular en el papel de Willard, convence y mucho interpretando al oscuro Capitán y su nihilista estilo. Marlon Brando, volviendo a confiar en él aunque estuviera depresivo en esa época de su vida, dicen las malas lenguas que durante el rodaje de la película estaba borracho, por eso dicen que es muy incomprensible en su versión original sus palabras, amén de un diálogo no muy claro. Harrison Ford, Dennis Hopper, Laurence Fishburne… destacando por encima de todos Robert Duvall en su papel de Bill Kilroge, quizá la mejor escena rodada en el mundo del cine.

Fotografía reluciente, con escenas y primeros planos espectaculares, sonido e imagen revisado y remasterizado para la versión Redux. La banda sonora no tiene desperdicio, Wagner y ‘La Cabalgata de las Valkyrias’, The Doors y ‘The End’, Rolling Stones y ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’…qué decir.

Finalizando, que esta pequeña joya del cine ha sufrido una segunda juventud, repito, una revisión estupenda que mejora notablemente con creces a su original. Algunos puristas quizás deseen la original, con su sonido y su imagen, pero yo prefiero esta, con sus escenas añadidas, con una limpieza de cara. Recomiendo su visionado, con tranquilidad porque son 3 horas y media de film, paciencia y vereis como no os arrepentireis.

“Good morning, Vietnam!”

Hurón.